影视音乐创作是时间对时间的艺术

从2014年登陆央视春晚被广为传唱开始，《时间都去哪儿了》至今都活跃在很多人的歌单里。它词曲朴实却不失细腻，歌者娓娓道来，悠悠曲调让听众都能联想到自己的故事。

词曲咬合，相得益彰，这就是董冬冬和陈曦夫妇日常的创作状态，在过去的10多年里，董冬冬和陈曦完成了超过200部电视剧、数十部电影的音乐创作，其中不乏《夏洛特烦恼》、《无人区》、《私人订制》、《战狼》、《心花路放》、《道士下山》、《山河故人》、《一秒钟》、《人民的名义》、《军师联盟》、《欢乐颂》、《扶摇》、《媚者无疆》等票房大片和高口碑热播剧。他们创作的主题曲获奖无数，同时也在TME、网易云音乐坐拥诸多年轻的歌迷。

今年上半年热播的《光荣与梦想》、《小舍得》、《八零九零》的歌曲和配乐，也都出自二人的珠联璧合。这份影响力让我们深信不疑：优秀的原创音乐能帮助影视剧完成讲述，它对票房和收视有着积极的加持作用。

董冬冬和陈曦以时间为母题，创作了这么多优秀的音乐作品，但很多圈内大咖第一次知道他们是80后时，都感到讶异：艺术需要时间和阅历的沉淀，他们这么年轻，怎么做到的？

近日，《电影中国》和这对音乐伉俪深聊了两个小时，围绕创作过程、创作理念、分工上的默契，甚至录音等设备的选择，试图解码他们的创作密钥。

2014年央视春晚，王铮亮弹唱了一曲《时间都去哪儿了》，打开了全国观众的记忆阀门，社交网站上都是求原曲的呼声。就连央视的《新闻联播》，都破天荒地在春节假期最后一天放出彩蛋：以《时间都去哪儿了》作为片尾曲，晒出全网征集的百姓全家福，被誉为“史上最暖心的结尾”。从那时起，这首歌就成为了内敛含蓄的国人，倾诉亲情时的必选曲目，往往前奏一起，就会让人代入浓浓的思念。

这首歌的词曲作者董冬冬、陈曦，就这样“杀”入了大众的情感。人们很快发现，这对搭档其实已经创作出包括《时间都去哪儿了》、《终于等到你》在内的多首金曲，从各个层面描摹了都市人群的情感关系，而这份默契，起源于他们还是北京电影学院录音系的同学那段时光。

从同学到同行再到夫妻，两人在音乐创作领域始终保持着质优而高产的水准，《一次就好》、《咖喱咖喱》、《有个爱你的人不容易》、《一秒钟》、《一生等你》、《时间的远方》、《一念之间》、《影》、《山河故人》等多首作品出圈。与此同时，他们还参与了大量影视剧的音乐创作工作。

随着影视行业分工的日益专业化，职业化，影视音乐的重要性也逐渐凸显出来。而董冬冬和陈曦在相当长的一段时间里，几乎“包办”了所有高分影视剧的音乐定制。

有细心的歌迷理过一张长长的名单，分门别类地列出他们的创作，保持这种水准背后，除了彼此的默契，更多的是这对科班出身的音乐人日积月累的思考和实践，以及视音乐创作为“手艺活”、精益求精的职人态度。

北京电影学院的学习经历，让董冬冬和陈曦很早就接触到电影制作的各个层面，他们创作的时候往往会带入更多的情景思维。

“我们拿到一部影视剧，首先会从剧作本身去分析，编剧为什么这么创作；再从导演的角度去思考，他为什么要这么拍；甚至我们还会写一些小的分镜，类似人物小传，帮助我们思考怎样更好地用音乐语言来协助这个影片完成讲述，这都是我们必须要做的功课。”董冬冬说，“影视音乐创作首先要懂戏，它要说的中心思想是什么？核心表达又是什么？等你理清了这点再去创作，才不会空洞。同时，我们还会辅以生活的观察，情绪的感悟，由此得到很多灵感。”

影视剧的题材千变万化，不同的故事、风格对于音乐的要求也不尽相同，音乐创作者对于“戏”的理解，以及对导演意图的把握分外重要。

以《小舍得》为例，这是他们从美国回来后接的第一部戏，在和导演深度交流，拿到部分片花后，两人首先开始规划框架：到底这个剧的音乐特点是什么？

陈曦介绍，《小舍得》的音乐量其实不大，每一集大概只有十几分钟。因为他们看了之后发现，这个剧本身很写实，音乐不能抢戏，更不能让观众出戏。所以在创作过程中，他们一直在找一个平衡点，用中性的音乐来匹配不同的场景和不同的情绪表达，不是一件容易的事，要做很多尝试。

比如第一集里10分钟的家庭聚餐，从最初的合家欢到后面的剑拔弩张，陈曦几乎把所有的音乐类型都试了一遍，最后呈现出现在的样子——整体很克制，暖暖的，耐听。

所有人都很满意。

而差不多时间开播的另一部《八零九零》，配乐占比明显多了，平均每集大概有30分钟，也是因为导演希望音乐能起到推进剧情的作用，因此他们让剧中的音乐有了更丰富、更饱满的情绪。

在陈曦看来，音乐创作不管是写词还是作曲，包括后期的贴片，以及到混录之前，都需要整部戏过一遍，才协调，不会有某一处出现突兀感，这是快不来，也是少不了的——因为这是时间对时间的艺术。

除了制作方，一部影视剧用什么样的歌，很多时候还跟演唱者有关，音乐制作人要根据演唱者的音色音域，进行创作。

董冬冬和陈曦没有在《时间都去哪儿了》《一次就好》《一生等你》等“金曲”的成功上躺平，他们不断突破，不断尝试新的音乐类型，在音乐使用的跨度上，包括填词的风格上，都表现出了极大的开放性。

从古典到流行，到蓝调布鲁斯，再到新时期音乐，甚至有很多配器的变化都是超出想象的，这也是为什么他们可以适配这么多不同类型的歌手，不断推出新的ost刷屏，以及包揽诸多不同风格影片的bgm的原因。

为了不停地自我突破，陈曦在拿到北京电影学院的硕士学位之后，又继续去伯克利音乐学院深造作曲、指挥等专业。

问她为什么还要这么辛苦，还要不断去进入一个新的领域。

她的回答是：我想搞清楚他们做音乐的逻辑，他们是如何思考音乐底层结构的。大家听到的作品已经是创作的一个结果了，这个结果是怎么出来的？我需要去学习西方古典音乐的逻辑，那其实已经很接近数学的概念了。

进校之后，陈曦选修了所有歌词和歌曲的写作课。在学习的过程中，她发现自己的创作很多时候是线性的表达，西方音乐更注重和声的结构性的表达，而将这两种思维方式打通运用后，她的创作能有完全不同以往的收获。

一个人的时间和精力总是有限的，繁重的课业，巨量的工作，需要用智慧做出取舍。但于董冬冬和陈曦而言，音乐创作是工作更是热爱，因此当他们谈及某一部很满意的作品时，眼里泛着灼灼的光。

随着中国音乐市场的进一步发展成熟，更新的技术和设备进入音乐创作领域，编曲的门槛似乎变得更好进了，但入门和优质之间的差距也越来越明显。

董冬冬和陈曦对于设备的选择和作品完成度之间的关系，也有自己的理解。

因家学渊源，1997年董冬冬就有了MIDI设备（乐器数字接口标准下的作曲、配器、电子模拟的演奏系统）。“那个时候一台合成器要两三万，做音乐的门槛真的很高。但现在一台电脑、软音源加上小键盘，没多少成本，就可以创作了，这不是坏事，它让更多有才华的独立音乐人进入了这个行业。就像欧美的一些流行音乐，它就是以编曲电子化为主，可能一个好听的loop（预制作好的音乐片段、素材）从头用到尾，再往里加唱就可以了。”

但因为从小跟着父亲录音，董冬冬有着一个很强烈的意识：真乐器演奏出来的质感完全不同。所以至今他还坚持着在作品里用真乐队的习惯。

“找真乐队在某些情况下还可以提升效率，比如，你为了模仿花了一天时间，最后可能5分钟让小提琴拉一遍就对了。”董冬冬说。

当然，在一些特殊的情境下也要做不同的选择，比如宁浩的《疯狂的赛车》，董冬冬就用了很多电子音乐；还有一些幽默搞笑的段落，就要用电音做出小提琴的感觉，才有笑果。

鉴于此，董冬冬和陈曦在录音创作过程中，对于设备的选用尤为重视。

董冬冬表示，“对于音乐人来说不可或缺的，或者说比较在意的是话筒。我早年在酒吧表演过，当时不管是唱歌还是弹琴，用的都是被誉为万能话筒的舒尔SM58，当时圈内基本都用它，后面即使自己有了录音棚，这只话筒依然有用。”

最近董冬冬每天写歌用的是舒尔的铝带话筒（舒尔KSM353）。他对这只话筒评价极高，“它的声音特别暖，原来我觉得铝带话筒只能录乐器，我一般用它录圆号，两边各站一个人，刚好八字指向，用铝带话筒录制正合适。一些录音师还会用铝带话筒录底鼓，录管乐。管乐声音暖、爆发力强，很容易破音，铝带话筒的包容性强，录乐器方面非常好用。”

“但这一次我发现用它录人声也非常不错，相比之前用的话筒，声音更有质感、更亮了。”他似乎发现了这只话筒的隐藏技能，“所以我新的录音棚打算主麦克风就用这支铝带话筒，让歌手也试试看，他们往往也挑话筒。”

舒尔这支铝带话筒甚至让董冬冬的工作流程都有了一些变化——用了三四个月了，以往做配乐基本都要拿到录音棚去，现在很多时候直接用在家就可以录了，不会收进杂音，声音又特别暖，比在录音棚更放松。

董冬冬对于舒尔的话筒十分信赖，他还特别推崇SM57这款乐器话筒：“SM57几乎可以满足任何一种乐器的应用需求，在业内我们称之为‘万能乐器录音话筒’，当然舒尔也有像BETA系列，KSM系列这些高级的乐器话筒。比如KSM137、KSM141这两款小振膜乐器话筒，我经常应用它录制铜管乐器/木管乐器、甚至低音提琴和底鼓这些近距离拾音的，我要求话筒能采集到所有细节，这些话筒正好能满足要求。”